Dans son but d’offrir du perfectionnement tout au long de l’année, L’Artère, développement et perfectionnement en danse contemporaine à mis en place des stages et classes régulières donnés par des professeur·e·s de Québec et d’ailleurs. Possibilité de prendre un seul bloc, ou plusieurs. Nous offrons également des stages avec des danseur·se·s souhaitant parfaire leur enseignement.

POUR VOUS INSCRIRE À L’UN OU PLUSIEURS DE NOS STAGES, ÉCRIVEZ-NOUS AU : inscriptions@larteredanse.ca

Politique de remboursement de classe | Le saviez-vous ?

Les interprètes admissibles peuvent obtenir un soutien financier du Regroupement québécois de la danse s’ils·elles sont admis·es au Programme de soutien à l’entraînement.

Rootless Root / Fighting Monkey

9 au 11 avril 2019
9h à 16h

50$/jour — 25$/demi-journée
artistes professionnel·le·s de la danse et du cirque

100$/jour — 50$/demi-journée
autres bougeur·se·s expérimenté·e·s

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

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FIGHTING MONKEY

We are movers with a strong athletic and artistic background.
We consider movement not restricted to moves.

We consider movement to be the means for survival, knowledge, creativity and pleasure.
We created Fighting Monkey Rootlessroot™ out of a burning need to develop as humans
through a practice that would nourish our passion and love for life.

Fighting Monkey Rootlessroot™
is an innovative movement practice with wide applications in various fields such as Dance Movement Therapy Services, Sports, Martial Arts, Rehabilitation, Arts, Communication to name some.

Fighting Monkey Rootlessroot™
studies how our structure and physiology interrelate with our behaviour,emotions, thoughts and memories.

Fighting Monkey Rootlessroot™
creates “Movement Situations” that help you transform training
into activity that positively affects your daily life.

Fighting Monkey Rootlessroot™
allows you to test how valid is your knowledge and how creatively adaptive you are when you encounter the unknown.

Fighting Monkey Rootlessroot™
supports your potential in the field you want to excel.

Practical—Primitive—Playful

 

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ROOTLESSROOT

RootlessRoot is a structure that supports our vision and creative ideas. We could describe it as a white cloud always changing, disappearing, appearing and flowing, as it needs. It is a movement driven, reflective platform that we have established in order to develop an artistic language that is accessible, primal, creative and playful. We are movement practitioners that are fundamentally interested in human emotion and cultural expression.

It’s a structure through which we realize our practical philosophy in order to further expand and discover our artistic capacities and desires to dive into the emotional landscapes of the human being.

RootlessRoot is a meeting point, an intersection and a threshold where conflicting ideas transform into a journey of sculpturing events inserted with risk and unpredictability. We have had the honor of collaborating with great artists such as John Parish, Miso Kascak, Vasilis Mantzoukis, Isabelle Lhoas, Jukka Huitilla, Hildegard de Vuyst, Ivan Archer, Martha Frintzila, Paris Mexis and Akram Kahn amongst others.

 

23-24 avril 2019
10h à 12h

12$/jour (membres) — 15$/jour (non-membres)

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

Cette classe de maître est déployée en collaboration avec Par B.L.eux.

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ARCHITECTURES CHORÉGRAPHIQUES MOBILES DU RELATIONNEL

L’atelier propose d’allier la conscientisation des flux énergétiques corporels aux dynamiques inter-spatiales des fluides. Avec les participant·e·s, Benoît Lachambre y travaille la reconnaissance de la création d’images somatiques et leurs capacités à générer des architectures sensorielles mouvantes.

Il invite les participant·e·s à un questionnement sur le fait d’être chorégraphié en diminuant simultanément le stress des rôles appris en tant qu’interprètes et chorégraphes. Il propose, de ce fait, une mutation des modèles. Dans une conscience kinesthésique et dans une collectivité du geste partagé, Benoît Lachambre travaille autour de l’approfondissement des perceptions et du ressenti. Pour cela il inscrit les corps dans une connectivité et une ouverture et leur permet un dialogue autour des liens intra-spatiaux et des tissus connectifs.

Dans cet espace d’échange et d’apprentissage Benoît Lachambre invite les participant·e·s à une réflexion autour des questions suivantes :
— Comment reconsidérer l’action performative et chorégraphique à travers un échange et dans l’inclusion des phénomènes connectifs?
— Est-il possible d’être spectateur, sujet, performeur et transmetteur simultanément ?
— Le mouvement empathique peut-il être vecteur de changements et de transformations positives à travers une rencontre et un décloisonnement des rôles établis?

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BENOÎT LACHAMBRE

Évoluant dans le milieu de la danse depuis les années 1970, Benoît Lachambre s’initie en 1985 au releasing dont l’approche kinesthésique du mouvement et la part d’improvisation vinrent fortement imprégner son travail de composition chorégraphique. Il s’investit alors totalement dans une approche exploratoire du mouvement et de ses sources dans l’idée de retrouver l’authenticité du geste. Sa démarche s’appuie fondamentalement sur un travail en acuité avec les sens où lier l’artistique et le somatique devient une nécessité. En 1996, il fonde à Montréal sa propre compagnie, Par B.L.eux, « B.L. » étant ses initiales et « eux » pour les artistes créateurs avec lesquels il s’associe et qui deviennent peu à peu centraux dans son cheminement artistique.
Artiste/chorégraphe/interprète majeur de sa génération, Benoît Lachambre a créé 18 œuvres depuis la fondation de Par B.L.eux, a participé à plus de 20 productions extérieures et a reçu 25 commandes chorégraphiques.
Avec le solo, Lifeguard (2016), présenté au Festival June Events à Paris en Juin 2016, Benoît Lachambre s’inscrit dans une volonté toujours plus présente de décloisonnement du geste chorégraphique ainsi que de la redéfinition des rôles performeurs/spectateurs. Il affirme et approfondit davantage cette volonté dans Fluid Grounds, œuvre en groupe, présentée en première au FTA – Festival TransAmériques en juin 2018.

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Kelly Keenan / Feeling Dancing (2 semaines)

 

Les activités de formation continue du RQD sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.

 

29 avril au 3 mai 2019 + 6 au 10 mai 2019
10h à 12h


7 $/jour (tarif préférentiel) — 20$/jour (tarif régulier)
(conditions d’admissibilité pour être éligible au tarif préférentiel : quebecdanse.org/rqd/activites-de-formation-continue-du-rqd#infos)

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

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FEELING DANCING

 

Feeling Dancing est un atelier centré sur l’expérience ressentie de la danse. L’atelier est organisé selon trois sphères de recherche : l’exploration somatique, le travail de partenaire, et la danse. Des exercices somatiques solos seront proposés aux participant-es afin d’explorer des images, modèles et métaphores du corps où le plancher servira de référence stable. Nous utiliserons le toucher comme retour tactile lors du travail guidé entre partenaires. Bien sûr, les participant-es seront toujours libres d’explorer en solo si il-elles le préfèrent. Le travail de partenaire génère des énergies multiples, venant de plusieurs directions. Il devient aussi un outil qui permet de gonfler l’espace et y dynamiser le corps. Enfin, il permet d’enchaîner ensemble vers la danse solo où l’expérience vécue est désormais affinée et amplifiée. Les danses invitent la fluidité, la surprise, l’envol et une couche de sueur.

 

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KELLY KEENAN

Kelly Keenan est une artiste et enseignante de danse basée à Montréal. Sa fascination pour la capacité de perception du corps se reflète dans son travail artistique et son enseignement. Elle crée un cadre expérimental, physique et positif pour que les participant-es puissent expérimenter affinage, plaisir et autonomisation à travers la danse. Son enseignement explore les multiples moyens de comprendre et connaître le corps à travers différentes pratiques. Ses influences incluent la thérapie craniosacrale, Axis Syllabus, Anatomy Trains, Feldenkrais et Material for the Spine. Professeure reconnue à Montréal et à l’internationale, elle a enseigné pour des festivals, des programmes professionnels et pré-professionnels, sans oublier des ateliers et structures DIY. Son travail artistique vise l’inclusion de l’expérience ressentie chez les spectateur-trices. Cette approche l’a mené vers diverses formes hybrides de création, telles qu’A Practice (2013) une performance/atelier en collaboration avec Adam Kinner, Be Still and Know Me (2017), une lecture/performance et The Direction of Ease, une collaboration de performance/massage avec Jacinte Armstrong et Elise Vanderbourght. Elle a également collaboré avec Kira Kirsch, Catherine Lavoie Marcus, Maria Kefirova, Katie Ward et Sara Hanley. Pendant son temps libre, elle est présidente au Conseil d’administration du Studio 303 et organisatrice du Forum pour éducateur-trices du mouvement.

Matthew Smith / Axis Syllabus

27 au 31 mai 2019

9h à 12h

20$ membres / 25$ non-membres

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

 

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THE SUGAR FREE CENTRIFUGE

 
This class will be looking at how internal geometries of the body can be organized to follow optimized external geometries through space. We will explore centrifuge as a means to arc in and out of the floor and into the air. We will be off center, off/on balance, leaning into our turns this way and that. We will also use our fascial system’s elasticity to give some time out to our muscles. AND by harnessing the centrifuge our muscles can also take some rest breaks. Less work = less sugar consumed. YAY! In some moments we can even be, or some parts of us at least, pretty much sugar free!!l. Double YAY!. What more do you need from a workshop? :).
 
 
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MATTHEW SMITH
 
Matthew having spent 15 years in Europe is now living back in New Zealand and has just completed his masters in Osteopathy.
He has worked internationally as a teacher, performer and maker. He has worked with a diverse array of companies such as Random Scream of Belgium, Carol Brown Dances of UK/NZ, Company Willi Dorner, Theater Combinat, and Klaus Obermaier of Austria. In New Zealand he was a company member of Black Grace but also dancing with Human Garden, Commotion Company, Touch Compass and Blue Vault.
 
He has been a long term collaborator in one of Norway’s major companies Impure.” He also danced in Impure collaborations with Cena 11 of Brazil and with the hip hop crew deepdowndopism.
 
He is a certified teacher of the Axis Syllabus, which integrates anatomy and physics into a movement practice and has taught this all around the world.

Alan Lake / Atelier chorégraphique

3 au 7 juin 2019

9h à 12h

75$ membres — 125$ non-membres (pour la semaine)

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

 

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ALAN LAKE

 
Il est interprète, chorégraphe, réalisateur et artiste en arts visuels. Il étudie les arts visuels pendant cinq ans (DEC et BAC en arts visuels). Il entreprend et obtient son DEC technique en Danse-interprétation en 2007 à l’École de danse de Québec. Depuis, c’est avec le cumul d’une expérience et d’une pratique pluridisciplinaire qu’il aborde désormais le geste, en consacrant son quotidien à la danse. L’objectif de son travail est de faire cohabiter ces disciplines en un lieu commun au service du mouvement.
 
Il présente son travail de chorégraphe à Québec, à Montréal et au Canada : Suite pour trois assiettes (2003), Le blé près de chez nous (2004), L’après-midi-oiseaux (2006), Dany and Me too (2009 cocréation avec Dany Desjardins), Chaudières, déplacements et paysages (2010), Huard-Éléphant (2011), Là-bas, le lointain (2012), Ravages (2015) et Les caveaux (2016).
 
Alan Lake insère dans sa démarche artistique des films de danses qu’il réalise : Battement Bleu (2003) et 9 Minutes, 2 Fois (2004) gagnant le prix du public à Vidéastes Recherché•es.
 
Alan Lake est invité par l’École de danse de Québec comme chorégraphe et pédagogue, afin de créer des œuvres : Huard-Éléphant (2011), la peau chargé d’étreinte (2012), Gratter la pénombre (2013), Résilience (2014), Les yeux pleins d’effroi (2016). Alan Lake est invité par l’École de danse contemporaine de Montréal pour créer Le cri des méduses à l’automne 2016.
 
Depuis 2007, Alan Lake joint en tant qu’interprète les compagnies : Le fils d’Adrien danse d’Harold Rhéaume dans NU, Jumeaux – une cocréation avec le chorégraphe français Yvann Alexandre – et dans la création Fluide. Il fait partie de la distribution du Carré des Lombes de Danièle Desnoyers pour les pièces : Là où je vis et Dévorer le Ciel. Il participe au premier Grand continental de la compagnie Sylvain Émard Danse. Il est interprète pour Dana Gingras – Animal of distinction dans un vidéoclip d’Arcade Fire. Il sera de la prochaine œuvre du Fils d’Adrien danse d’Harold Rhéaume prévu pour 2017.

Aïcha Bastien N'Diaye / Du mouvement métis

10 au 14 juin 2019

10h à 12h

12$ membres / 15$ non-membres

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

 

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DU MOUVEMENT MÉTIS

Il y a cette relation particulière avec l’intention et la résonnance du pied dans le sol qui est propre aux danses traditionnelles. Sans cette résolution, la mouvance d’un pas tribal se voit empreint d’une certaine velléité. Ce lien vital désappris par la culture et les danses modernes me fascine et mérite notre attention. Je souhaite que les ‘’bougeurs’’ puissent redécouvrir des corps qui se voutent et des genoux qui osent plier davantage, de la trémulation et des ondulations, des danses de Pow Wow et des mouvements de Doudoumba…quelque chose de sauvage et pourtant oh combien actuel. Je propose ici une formule qui explore l’essence du mouvement initié par les danses traditionnelles de l’Afrique de l’ouest et les danses Autochtones dans une approche contemporaine. Chaque classe sera composé d’exercices d’improvisations, d’enseignements de pas et de philosophies de mouvements traditionnels ainsi que d’un enchaînement chorégraphique. Ce dernier saura réunir les danses traditionnelles à l’influence actuelle du mouvement qui se veut très urbaine en 2018. De quoi plonger les participants dans un univers contemporain de sueurs, de traditions et de rythmes.

Quelque chose d’instinctif, quelque chose qui fait du bien.

Première heure : Introduction musicale + Introduction à la gestuelle

Deuxième heure : Enchainement chorégraphique

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AÏCHA BASTIEN N’DIAYE

De la nation Huronne-Wendat, Aïcha est initiée au mouvement par la danse traditionnelle de la Guinée tout en grandissant sur la réserve de Wendake. Créant instinctivement un mélange homogène entre deux fortes cultures, son engouement pour la physicalité et l’expressivité de la danse la guide rapidement vers la formation professionnelle de L’École de danse de Québec. Au cours de cette formation, Aïcha développe un intérêt pour la chorégraphie et pour la vulnérabilité de l’artiste sur scène. Créant des unions entre différents styles de danse, elle présente le traditionnel d’une façon rafraichissante et contemporaine. Passionnée par l’écriture et la psychologie, interprète et membre du conseil administratif de la compagnie de danse WuXingWuShi/Mikaël Montminy, interprète pour la compagnie de danse percussive et contemporaine Bourask/Sylvie Mercier et performant sur la scène urbaine, elle fait partie de ceux qui souhaitent changer le monde et la vision de la danse de ce dernier. Enseignant différents styles à l’École de danse de Québec et pour NDIAYA Danse, l’enseignement est pour elle une façon de partager connaissances, énergie et ce besoin humain d’utiliser l’expression corporel pour créer des liens. La danse est donc pour Aïcha un médium actuel de changements et d’innovations. Quoi de mieux que d’orchestrer une symphonie corporelle pour combattre l’ignorance?

Lara Kramer / Stage Intensif / Audio Drive + Systems of Distortions

Les activités de formation continue du RQD sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.

24 au 28 juin 2019

9h à 12h

10 $/jour (tarif préférentiel) — 30$/jour (tarif régulier)

Conditions d’admissibilité pour être éligible au tarif préférentiel 

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

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AUDIO DRIVE + SYSTEMS OF DISTORTIONS

In this workshop we will hear nothing and everything. Record. Play. Embody and reject. Working with body, texture + objects and sound, together we will invest in our instinctual choices and accumulate experience. After some time we will focus on the replica of experience. Listen and fall to the void. Be present with the memory + future. We find enjoyment in how images transform, distort and shift in time.

 

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LARA KRAMER

Lara Kramer est une chorégraphe et artiste multidisciplinaire d’origine métissée ojie-crie. Son œuvre met en contraste les relations brutales qu’entretiennent les peuples autochtones avec la société coloniale.

Ses créations, diffusées à travers le Canada et même jusqu’en Australie, ont été saluées par la critique, notamment Fragments (2009), inspirée des histoires de sa mère dans les pensionnats canadiens, et Native Girl Syndrome (2013), sur l’intériorisation des traumas chez les femmes autochtones, et dont Windigo (2018) peut être vue comme le pendant masculin, où les traumatismes s’extériorisent à travers différents corps, individus, âges et objets.

Fondées sur un vocabulaire théâtral et ses racines indigènes, les pièces de Lara Kramer s’appuient sur une narration et un visuel forts. Souvent crue, jouant sur les forces et les faiblesses de l’esprit humain, l’œuvre de Kramer se démarque par son ton engagé, sa sensibilité, son écoute instinctive du corps et de l’invisible.

En 2014, Lara Kramer a remporté la Bourse à l’audace – Caisse de la culture de l’OFFTA à Montréal et elle a été reconnue comme une artiste à la défense des droits de la personne par le Centre commémoratif de l’Holocauste à Montréal en 2011.

Lara a participé à plusieurs résidences dont Dancemakers Artist in Residency pendant 3 ans.