Dans son but d’offrir du perfectionnement tout au long de l’année, L’Artère, développement et perfectionnement en danse contemporaine à mis en place des stages et classes régulières donnés par des professeur·e·s de Québec et d’ailleurs. Possibilité de prendre un seul bloc, ou plusieurs. Nous offrons également des stages avec des danseur·se·s souhaitant parfaire leur enseignement.

POUR VOUS INSCRIRE À L’UN OU PLUSIEURS DE NOS STAGES, ÉCRIVEZ-NOUS AU : inscriptions@larteredanse.ca

Politique de remboursement de classe | Le saviez-vous ?

Les interprètes admissibles peuvent obtenir un soutien financier du Regroupement québécois de la danse s’ils·elles sont admis·es au Programme de soutien à l’entraînement.

Nicolas Cantin / Atelier chorégraphique

18 au 22 février 2018
9h à 13h

Inscription ici

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

Ce stage est possible grâce à la collaboration du Conseil de la culture.

 

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UN LABO

J’avance, immobile sur un escalier métallique. J’aime la danse parce que je la vois partout. Dans le métro, dans la rue. Dans tes mains ramassant ma petite monnaie sur le comptoir du dépanneur. Il y a dans la ville beaucoup de gens que je ne connais pas. Beaucoup de visages, beaucoup de corps. Je ne me lasse pas de regarder la vie qui circule sur la peau, sous les crânes. L’idée de ne pas savoir ce que nous allons faire ensemble pendant quelques jours dans ce labo me plait beaucoup. Rencontrons nous et nous verrons.

 

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NICOLAS CANTIN

Formé au Conservatoire d’Art Dramatique d’Avignon, Nicolas Cantin a longtemps fréquenté l’improvisation comme outil de performance. Son amour du jeu s’est essentiellement nourri au contact de Mario Gonzales, Philippe Hottier et Tapa Sudana. Il a joué dans plusieurs productions théâtrales en Europe. Formé au travail du clown et du masque, Nicolas Cantin se tient à la frontière des genres. C’est avec Mygale, Belle manière et Grand singe, trilogie regroupée sous le titre de Trois romances, qu’il fait sa marque à Montréal. Il fait de brèves apparitions sur scène avec Glass House et Falaise avant de danser pour Frédérick Gravel dans Tout se pète la gueule, chérie. Il a aussi co-signé le solo circassien Patinoire des 7 doigts de la main et dirige les étudiants de l’École nationale de cirque de Montréal et de l’École nationale de théâtre. Il a été artiste en résidence à L’L (Bruxelles), à Montevideo (Marseille) et à l’Usine C (Montréal). Grâce à ces institutions, il a développé les créations Cheese et Klumzy. Sa dernière création, Spoon, est un spectacle pour deux enfants de 9 et 12 ans.

Olivier De Sagazan / Transfiguration

4 au 8 mars 2019
11h à 13h + 14h à 16h

250$ pour la semaine
[*Vérifiez votre admissibilité au Programme de soutien à l’entrainement du Regroupement québécois de la danse pour vous voir rembourser jusqu’à la moitié de ce montant.]

Maison pour la danse | 336 rue du Roi

 

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ATELIER TRANSFIGURATION

To be covered with clay is an initiatory act that can be found in all primitive peoples. Clay has a liberating and creative power. A body covered with clay, as the primitives say, passes into the world of the spirits, between the sculpture and the ghost: It is a transfigured body, in dialogue with « the beyond ». For us, the « beyond » is the depth of the performer soul.

To cover oneself with the clay is also paradoxically to wash oneself of an artificial and cultural world to be face to face, pleasant and original. This blind work will amplify our sense of touch and proprioception. In the development of touch, time passes slowly and the psyche of the performer enters into a form of singularity. Aristotle already signs it: touch is the foundation of the soul.

 

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OLIVIER DE SAGAZAN

Né au Congo en 1959. Après des études de biologie, Olivier se consacre à la peinture et à la sculpture. Depuis plus de 20 ans, Olivier de Sagazan a développé une pratique hybride qui intègre peinture, sculpture et performance. Dans sa performance la plus connue, Transfiguration, il se recouvre d’argile pour se défigurer, révélant une « Humanimalité » qui cherche sa véritable identité

Présentée plus d’une centaine de fois à travers le monde (Biennale de Shanghaï, Festival Antigel, Festival d’Israël, MOA à Séoul, …), Transfiguration a également attiré le regard de nombreux artistes du domaine du cinéma, de la mode, de la musique avec lesquels il a collaboré.

Olivier de Sagazan réalise aussi de nombreuses classes de maître autour de Transfiguration (à la Biennale de performances de Buenos Aires, au Degree Show 2 au Central Saint Martins à Londres) qui peuvent donner lieu à la production et la présentation performance, exemple La Cène à Palerme.

Sa performance Transfiguration a été présentée plus d’une centaine de fois à travers le monde.

Ses transformations saisissantes ont attiré le regard de nombreux artistes avec lesquels il a travaillé : David Lynch qui l’invite dans son club Silencio, Ron Frick qui intègre Olivier dans son film Samsara, Mylène Farmer pour faire son clip A l’ombre, Mario Sorrenti pour un film Discarnate qui devrait sortir en fin d’année, Nick Antosca avec qui il a réaliser la Série Channel Zéro, FKA Twigs …

Lieux d’exposition et performances de ces dernières années : olivierdesagazan.com

Daina Ashbee / Atelier chorégraphique

11 au 15 mars 2019 — 9h30 à 12h30
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Présentation informelle
vendredi 15 mars 2019 — 17h à 19h

75$ membres / 125$ non-membres (pour la semaine)

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

 

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DAINA ASHBEE

Daina Ashbee est une artiste, interprète et chorégraphe de Montréal, reconnue pour ses œuvres radicales, à la lisière de la danse et de la performance, qui abordent avec intelligence des sujets complexes ou tabous comme la sexualité féminine, l’identité métisse, et les changements climatiques. La création est pour elle une quête instinctive et quasi spirituelle, qui englobe sa relation avec son corps, ses ancêtres, l’univers et le cosmos tout entier. À seulement 26 ans, elle a déjà remporté deux prix pour ses œuvres chorégraphiques. En novembre 2016, elle est doublement primée aux Prix de la danse de Montréal, remportant coup sur coup le Prix du CALQ pour la meilleure œuvre chorégraphique de la saison 2015-2016, décerné pour son installation chorégraphique When the ice melts, will we drink the water?, et le Prix Découverte de la danse, présenté par l’Agora de la danse et Tangente, pour Unrelated. En 2017, elle est nommée «Promissing Talent of the year», par le prestigieux magazine allemand Tanz et le Dance Magazine la cite dans sa liste des 25 artistes à suivre en 2018.
 
Reconnu comme l’une des chorégraphes les plus prometteuses de sa génération, son travail est régulièrement présenté dans les festivals les plus prestigieux (La Biennale de Venise, Oktoberdans, Les Rencontres Chorégraphiques de Seine Saint Denis et la Munich Dance Biennale) et sur les scènes du monde entier (Canada, France, Espagne, Belgique, Norvège, Finlande, Groenland, Allemagne, Italie, Suisse et Mexique).
 

Artiste en résidence à l’Agora de la danse à Montréal jusqu’en 2020, le Centre de Création O Vertigo – CCOV (Montréal) lui offre, en 2017, le statut d’Artiste Associée. En 2018, elle sera de nouveau invitée par la Biennale de Venise pour y créer sa première pièce de groupe. Au programme aussi, des tournées en Norvège, en Belgique, en Italie, en République tchèque et au Canada, en attendant de créer un nouveau solo et une pièce de groupe en première mondiale prévus pour 2019 et 2020.

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DESCRIPTION DU STAGE

Il s’agit d’ateliers où les participant·e·s développent des techniques pour créer du matériel sur les corps dans le moment vécu. J’insiste pour que nous développions nos compétences pour communiquer avec l’interprète sur lequel et avec lequel nous créons (ou sculptons). Cela devient une pratique vivante au lieu d’inventer une routine à la maison par soi-même et de montrer à quelqu’un dans le miroir comment imiter son corps; c’est beaucoup plus personnel et nous pouvons aller très loin, trouver des moyens de développer un langage spécifique avec une personne en particulier.

Nous travaillons à développer notre propre langage artistique pour décrire des images, de l’énergie et des sentiments avec notre interprète. Comment ce langage peut-il concevoir ce que vous voyez et ce que vous voulez voir? Nous apprenons également à recevoir, à écouter et à voir le corps avec lequel nous travaillons et à nous ouvrir aux images, aux sentiments énergétiques qu’ils expriment. Cet exercice peut changer votre idée initiale ou ce que vous aviez l’intention de créer, et c’est ce qui est beau dans le travail avec la matière vivante et l’être humain.

Rob Pretorius / Flexibilité

18 au 22 mars 2019

10h à 12h

12$ membres / 15$ non-membres

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

 

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DESCRIPTION DU STAGE

 
Pour la première partie de chaque séance, nous nous concentrerons sur le développement de la flexibilité et de la force à dans des amplitudes extrêmes de mouvement ainsi que sur la préparation de notre tissu conjonctif pour la prévention et la réhabilitation des blessures. Nous mobiliserons bon nombre d’articulations clés du corps dans toute leur amplitude de mouvement dans le but d’augmenter le flux sanguin, d’améliorer le contrôle proprioceptif et de renforcer le tissu conjonctif. Les participants apprendront l’importance de la mise en charge des articulations dans et hors alignement, comment utiliser isométriques et excentriques pour mieux adresser les points faibles, et finalement, comment construire un corps résilient et maleable.
Pour la deuxième partie de la classe, les participants apprendront à acquérir de la flexibilité efficacement grâce à mes propres protocoles d’étirement qui tournent autour d’étirements isométriques, dynamiques et actifs. Puisque la flexibilité est fortement dictée par le système nerveux, nous utiliserons des techniques de respiration pour calmer le système nerveux afin d’augmenter la tolérance de notre réflexe d’étirement et de renforcer la force / le confort dans de nouvelles aires de mouvement.
 
 
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ROB PRETORIUS
 
After many years at an unconventional desk job as an immobile/competitive PC gamer and IT technician, Rob shifted his obsessive focus to martial arts, hand balancing, bodyweight strength training, flexibility, and dance. He has spent the last 8 years studying from some of the worlds best in their respective fields and has developed an efficient approach for adults to gain their maximum static and active flexibility. Through regular practice, his techniques take the inflexible adult into ranges of motion that are commonly seen in children but are lost due to a lack of movement or too strict of a focus on improving strength.

Wen Wei Wang / Classe de maitre / Body Talk

25 mars 2019

10h30 à 12h

12$ membres / 15$ non-membres

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

 

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BODY TALK

This dance workshop will explore various styles and forms including elements of Tai Chi, martial arts, Peking Opera and ballet technique. Through improvisation, dialogue and experiments with physical language, the breath of the rhythm and release technique will be the foundation for creating unique movements to express meanings through the body and mind.
 
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WEN WEI WANG
 

Wen Wei Wang began dancing at an early age in China, where he was born and raised. He trained and danced professionally with the Langzhou Song and Dance Company. In 1991, he came to Canada and joined the Judith Marcuse Dance Company after which he danced with Ballet British Columbia for seven years. In 2000 he received the Clifford E. Lee Choreographic Award and since then has choreographed for the Alberta Ballet, Ballet BC, Ballet Jorgen, Dancers Dancing, North West Dance Projects, the Vancouver and San Francisco Operas, and Les Ballets Jazz de Montréal (BJM). Wang is the recipient of the 2006 Isadora Award for Excellence in Choreography, the 2009 Rio Tinto Alcan Performing Arts Award, the 2013 Chrystal Dance Prize, and a 2013 RBC Top 25 Canadian Immigrants Award.

In 2003, he founded Wen Wei Dance, and since then has choreographed eight full-length works for the company, including Dialogue (2017), Made in China (2015), 7th Sense (2013), Under the Skin (2010), Cock-Pit (2009), Three Sixty Five (2007), Unbound (2006), and One Man’s (2005). The company performs these acclaimed works across Canada and at dance festivals around the world, including the Canada Dance Festival, and the International Contemporary Dance Festival in Colombia, South America. Notably, the company has performed two tours of China, and at the prestigious Venice Biennale in Italy.

Wen Wei Wang is an Associate Dance Artist of Canada’s National Arts Centre.

Lara Kramer / Stage Intensif / Audio Drive + Systems of Distortions

Les activités de formation continue du RQD sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.

1er au 5 avril 2019

9h à 12h

10 $/jour (tarif préférentiel) — 30$/jour (tarif régulier)
(conditions d’admissibilité pour être éligible au tarif préférentiel : quebecdanse.org/rqd/activites-de-formation-continue-du-rqd#infos)

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

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AUDIO DRIVE + SYSTEMS OF DISTORTIONS

In this workshop we will hear nothing and everything. Record. Play. Embody and reject. Working with body, texture + objects and sound, together we will invest in our instinctual choices and accumulate experience. After some time we will focus on the replica of experience. Listen and fall to the void. Be present with the memory + future. We find enjoyment in how images transform, distort and shift in time.

 

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LARA KRAMER

Lara Kramer est une chorégraphe et artiste multidisciplinaire d’origine métissée ojie-crie. Son œuvre met en contraste les relations brutales qu’entretiennent les peuples autochtones avec la société coloniale.

Ses créations, diffusées à travers le Canada et même jusqu’en Australie, ont été saluées par la critique, notamment Fragments (2009), inspirée des histoires de sa mère dans les pensionnats canadiens, et Native Girl Syndrome (2013), sur l’intériorisation des traumas chez les femmes autochtones, et dont Windigo (2018) peut être vue comme le pendant masculin, où les traumatismes s’extériorisent à travers différents corps, individus, âges et objets.

Fondées sur un vocabulaire théâtral et ses racines indigènes, les pièces de Lara Kramer s’appuient sur une narration et un visuel forts. Souvent crue, jouant sur les forces et les faiblesses de l’esprit humain, l’œuvre de Kramer se démarque par son ton engagé, sa sensibilité, son écoute instinctive du corps et de l’invisible.

En 2014, Lara Kramer a remporté la Bourse à l’audace – Caisse de la culture de l’OFFTA à Montréal et elle a été reconnue comme une artiste à la défense des droits de la personne par le Centre commémoratif de l’Holocauste à Montréal en 2011.

Lara a participé à plusieurs résidences dont Dancemakers Artist in Residency pendant 3 ans.

Rootless Root / Fighting Monkey

9 au 11 avril 2019
9h à 16h

50$/jour — 25$/demi-journée
artistes professionnel·le·s de la danse et du cirque

100$/jour — 50$/demi-journée
autres bougeur·se·s expérimenté·e·s

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

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FIGHTING MONKEY

We are movers with a strong athletic and artistic background.
We consider movement not restricted to moves.

We consider movement to be the means for survival, knowledge, creativity and pleasure.
We created Fighting Monkey Rootlessroot™ out of a burning need to develop as humans
through a practice that would nourish our passion and love for life.

Fighting Monkey Rootlessroot™
is an innovative movement practice with wide applications in various fields such as Dance Movement Therapy Services, Sports, Martial Arts, Rehabilitation, Arts, Communication to name some.

Fighting Monkey Rootlessroot™
studies how our structure and physiology interrelate with our behaviour,emotions, thoughts and memories.

Fighting Monkey Rootlessroot™
creates “Movement Situations” that help you transform training
into activity that positively affects your daily life.

Fighting Monkey Rootlessroot™
allows you to test how valid is your knowledge and how creatively adaptive you are when you encounter the unknown.

Fighting Monkey Rootlessroot™
supports your potential in the field you want to excel.

Practical—Primitive—Playful

 

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ROOTLESSROOT

RootlessRoot is a structure that supports our vision and creative ideas. We could describe it as a white cloud always changing, disappearing, appearing and flowing, as it needs. It is a movement driven, reflective platform that we have established in order to develop an artistic language that is accessible, primal, creative and playful. We are movement practitioners that are fundamentally interested in human emotion and cultural expression.

It’s a structure through which we realize our practical philosophy in order to further expand and discover our artistic capacities and desires to dive into the emotional landscapes of the human being.

RootlessRoot is a meeting point, an intersection and a threshold where conflicting ideas transform into a journey of sculpturing events inserted with risk and unpredictability. We have had the honor of collaborating with great artists such as John Parish, Miso Kascak, Vasilis Mantzoukis, Isabelle Lhoas, Jukka Huitilla, Hildegard de Vuyst, Ivan Archer, Martha Frintzila, Paris Mexis and Akram Kahn amongst others.

 

23-24 avril 2019
10h à 12h

12$/jour (membres) — 15$/jour (non-membres)

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

Cette classe de maître est déployée en collaboration avec Par B.L.eux.

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ARCHITECTURES CHORÉGRAPHIQUES MOBILES DU RELATIONNEL

L’atelier propose d’allier la conscientisation des flux énergétiques corporels aux dynamiques inter-spatiales des fluides. Avec les participant·e·s, Benoît Lachambre y travaille la reconnaissance de la création d’images somatiques et leurs capacités à générer des architectures sensorielles mouvantes.

Il invite les participant·e·s à un questionnement sur le fait d’être chorégraphié en diminuant simultanément le stress des rôles appris en tant qu’interprètes et chorégraphes. Il propose, de ce fait, une mutation des modèles. Dans une conscience kinesthésique et dans une collectivité du geste partagé, Benoît Lachambre travaille autour de l’approfondissement des perceptions et du ressenti. Pour cela il inscrit les corps dans une connectivité et une ouverture et leur permet un dialogue autour des liens intra-spatiaux et des tissus connectifs.

Dans cet espace d’échange et d’apprentissage Benoît Lachambre invite les participant·e·s à une réflexion autour des questions suivantes :
— Comment reconsidérer l’action performative et chorégraphique à travers un échange et dans l’inclusion des phénomènes connectifs?
— Est-il possible d’être spectateur, sujet, performeur et transmetteur simultanément ?
— Le mouvement empathique peut-il être vecteur de changements et de transformations positives à travers une rencontre et un décloisonnement des rôles établis?

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BENOÎT LACHAMBRE

Évoluant dans le milieu de la danse depuis les années 1970, Benoît Lachambre s’initie en 1985 au releasing dont l’approche kinesthésique du mouvement et la part d’improvisation vinrent fortement imprégner son travail de composition chorégraphique. Il s’investit alors totalement dans une approche exploratoire du mouvement et de ses sources dans l’idée de retrouver l’authenticité du geste. Sa démarche s’appuie fondamentalement sur un travail en acuité avec les sens où lier l’artistique et le somatique devient une nécessité. En 1996, il fonde à Montréal sa propre compagnie, Par B.L.eux, « B.L. » étant ses initiales et « eux » pour les artistes créateurs avec lesquels il s’associe et qui deviennent peu à peu centraux dans son cheminement artistique.
Artiste/chorégraphe/interprète majeur de sa génération, Benoît Lachambre a créé 18 œuvres depuis la fondation de Par B.L.eux, a participé à plus de 20 productions extérieures et a reçu 25 commandes chorégraphiques.
Avec le solo, Lifeguard (2016), présenté au Festival June Events à Paris en Juin 2016, Benoît Lachambre s’inscrit dans une volonté toujours plus présente de décloisonnement du geste chorégraphique ainsi que de la redéfinition des rôles performeurs/spectateurs. Il affirme et approfondit davantage cette volonté dans Fluid Grounds, œuvre en groupe, présentée en première au FTA – Festival TransAmériques en juin 2018.

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Kelly Keenan / Feeling Dancing (2 semaines)

 

Les activités de formation continue du RQD sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.

 

29 avril au 3 mai 2019 + 6 au 10 mai 2019
10h à 12h


7 $/jour (tarif préférentiel) — 20$/jour (tarif régulier)
(conditions d’admissibilité pour être éligible au tarif préférentiel : quebecdanse.org/rqd/activites-de-formation-continue-du-rqd#infos)

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

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FEELING DANCING

 

Feeling Dancing est un atelier centré sur l’expérience ressentie de la danse. L’atelier est organisé selon trois sphères de recherche : l’exploration somatique, le travail de partenaire, et la danse. Des exercices somatiques solos seront proposés aux participant-es afin d’explorer des images, modèles et métaphores du corps où le plancher servira de référence stable. Nous utiliserons le toucher comme retour tactile lors du travail guidé entre partenaires. Bien sûr, les participant-es seront toujours libres d’explorer en solo si il-elles le préfèrent. Le travail de partenaire génère des énergies multiples, venant de plusieurs directions. Il devient aussi un outil qui permet de gonfler l’espace et y dynamiser le corps. Enfin, il permet d’enchaîner ensemble vers la danse solo où l’expérience vécue est désormais affinée et amplifiée. Les danses invitent la fluidité, la surprise, l’envol et une couche de sueur.

 

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KELLY KEENAN

Kelly Keenan est une artiste et enseignante de danse basée à Montréal. Sa fascination pour la capacité de perception du corps se reflète dans son travail artistique et son enseignement. Elle crée un cadre expérimental, physique et positif pour que les participant-es puissent expérimenter affinage, plaisir et autonomisation à travers la danse. Son enseignement explore les multiples moyens de comprendre et connaître le corps à travers différentes pratiques. Ses influences incluent la thérapie craniosacrale, Axis Syllabus, Anatomy Trains, Feldenkrais et Material for the Spine. Professeure reconnue à Montréal et à l’internationale, elle a enseigné pour des festivals, des programmes professionnels et pré-professionnels, sans oublier des ateliers et structures DIY. Son travail artistique vise l’inclusion de l’expérience ressentie chez les spectateur-trices. Cette approche l’a mené vers diverses formes hybrides de création, telles qu’A Practice (2013) une performance/atelier en collaboration avec Adam Kinner, Be Still and Know Me (2017), une lecture/performance et The Direction of Ease, une collaboration de performance/massage avec Jacinte Armstrong et Elise Vanderbourght. Elle a également collaboré avec Kira Kirsch, Catherine Lavoie Marcus, Maria Kefirova, Katie Ward et Sara Hanley. Pendant son temps libre, elle est présidente au Conseil d’administration du Studio 303 et organisatrice du Forum pour éducateur-trices du mouvement.

Matthew Smith / Axis Syllabus

27 au 31 mai 2019

9h à 12h

20$ membres / 25$ non-membres

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

 

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THE SUGAR FREE CENTRIFUGE

 
This class will be looking at how internal geometries of the body can be organized to follow optimized external geometries through space. We will explore centrifuge as a means to arc in and out of the floor and into the air. We will be off center, off/on balance, leaning into our turns this way and that. We will also use our fascial system’s elasticity to give some time out to our muscles. AND by harnessing the centrifuge our muscles can also take some rest breaks. Less work = less sugar consumed. YAY! In some moments we can even be, or some parts of us at least, pretty much sugar free!!l. Double YAY!. What more do you need from a workshop? :).
 
 
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MATTHEW SMITH
 
Matthew having spent 15 years in Europe is now living back in New Zealand and has just completed his masters in Osteopathy.
He has worked internationally as a teacher, performer and maker. He has worked with a diverse array of companies such as Random Scream of Belgium, Carol Brown Dances of UK/NZ, Company Willi Dorner, Theater Combinat, and Klaus Obermaier of Austria. In New Zealand he was a company member of Black Grace but also dancing with Human Garden, Commotion Company, Touch Compass and Blue Vault.
 
He has been a long term collaborator in one of Norway’s major companies Impure.” He also danced in Impure collaborations with Cena 11 of Brazil and with the hip hop crew deepdowndopism.
 
He is a certified teacher of the Axis Syllabus, which integrates anatomy and physics into a movement practice and has taught this all around the world.

Alan Lake / Atelier chorégraphique

3 au 7 juin 2019

9h à 12h

75$ membres — 125$ non-membres (pour la semaine)

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

 

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ALAN LAKE

 
Il est interprète, chorégraphe, réalisateur et artiste en arts visuels. Il étudie les arts visuels pendant cinq ans (DEC et BAC en arts visuels). Il entreprend et obtient son DEC technique en Danse-interprétation en 2007 à l’École de danse de Québec. Depuis, c’est avec le cumul d’une expérience et d’une pratique pluridisciplinaire qu’il aborde désormais le geste, en consacrant son quotidien à la danse. L’objectif de son travail est de faire cohabiter ces disciplines en un lieu commun au service du mouvement.
 
Il présente son travail de chorégraphe à Québec, à Montréal et au Canada : Suite pour trois assiettes (2003), Le blé près de chez nous (2004), L’après-midi-oiseaux (2006), Dany and Me too (2009 cocréation avec Dany Desjardins), Chaudières, déplacements et paysages (2010), Huard-Éléphant (2011), Là-bas, le lointain (2012), Ravages (2015) et Les caveaux (2016).
 
Alan Lake insère dans sa démarche artistique des films de danses qu’il réalise : Battement Bleu (2003) et 9 Minutes, 2 Fois (2004) gagnant le prix du public à Vidéastes Recherché•es.
 
Alan Lake est invité par l’École de danse de Québec comme chorégraphe et pédagogue, afin de créer des œuvres : Huard-Éléphant (2011), la peau chargé d’étreinte (2012), Gratter la pénombre (2013), Résilience (2014), Les yeux pleins d’effroi (2016). Alan Lake est invité par l’École de danse contemporaine de Montréal pour créer Le cri des méduses à l’automne 2016.
 
Depuis 2007, Alan Lake joint en tant qu’interprète les compagnies : Le fils d’Adrien danse d’Harold Rhéaume dans NU, Jumeaux – une cocréation avec le chorégraphe français Yvann Alexandre – et dans la création Fluide. Il fait partie de la distribution du Carré des Lombes de Danièle Desnoyers pour les pièces : Là où je vis et Dévorer le Ciel. Il participe au premier Grand continental de la compagnie Sylvain Émard Danse. Il est interprète pour Dana Gingras – Animal of distinction dans un vidéoclip d’Arcade Fire. Il sera de la prochaine œuvre du Fils d’Adrien danse d’Harold Rhéaume prévu pour 2017.

Aïcha Bastien N'Diaye / Du mouvement métis

10 au 14 juin 2019

10h à 12h

12$ membres / 15$ non-membres

 

Maison pour la danse de Québec | 336 rue du Roi

 

 

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DU MOUVEMENT MÉTIS

Il y a cette relation particulière avec l’intention et la résonnance du pied dans le sol qui est propre aux danses traditionnelles. Sans cette résolution, la mouvance d’un pas tribal se voit empreint d’une certaine velléité. Ce lien vital désappris par la culture et les danses modernes me fascine et mérite notre attention. Je souhaite que les ‘’bougeurs’’ puissent redécouvrir des corps qui se voutent et des genoux qui osent plier davantage, de la trémulation et des ondulations, des danses de Pow Wow et des mouvements de Doudoumba…quelque chose de sauvage et pourtant oh combien actuel. Je propose ici une formule qui explore l’essence du mouvement initié par les danses traditionnelles de l’Afrique de l’ouest et les danses Autochtones dans une approche contemporaine. Chaque classe sera composé d’exercices d’improvisations, d’enseignements de pas et de philosophies de mouvements traditionnels ainsi que d’un enchaînement chorégraphique. Ce dernier saura réunir les danses traditionnelles à l’influence actuelle du mouvement qui se veut très urbaine en 2018. De quoi plonger les participants dans un univers contemporain de sueurs, de traditions et de rythmes.

Quelque chose d’instinctif, quelque chose qui fait du bien.

Première heure : Introduction musicale + Introduction à la gestuelle

Deuxième heure : Enchainement chorégraphique

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AÏCHA BASTIEN N’DIAYE

De la nation Huronne-Wendat, Aïcha est initiée au mouvement par la danse traditionnelle de la Guinée tout en grandissant sur la réserve de Wendake. Créant instinctivement un mélange homogène entre deux fortes cultures, son engouement pour la physicalité et l’expressivité de la danse la guide rapidement vers la formation professionnelle de L’École de danse de Québec. Au cours de cette formation, Aïcha développe un intérêt pour la chorégraphie et pour la vulnérabilité de l’artiste sur scène. Créant des unions entre différents styles de danse, elle présente le traditionnel d’une façon rafraichissante et contemporaine. Passionnée par l’écriture et la psychologie, interprète et membre du conseil administratif de la compagnie de danse WuXingWuShi/Mikaël Montminy, interprète pour la compagnie de danse percussive et contemporaine Bourask/Sylvie Mercier et performant sur la scène urbaine, elle fait partie de ceux qui souhaitent changer le monde et la vision de la danse de ce dernier. Enseignant différents styles à l’École de danse de Québec et pour NDIAYA Danse, l’enseignement est pour elle une façon de partager connaissances, énergie et ce besoin humain d’utiliser l’expression corporel pour créer des liens. La danse est donc pour Aïcha un médium actuel de changements et d’innovations. Quoi de mieux que d’orchestrer une symphonie corporelle pour combattre l’ignorance?