Dans son but d’offrir du perfectionnement tout au long de l’année, L’Artère, développement et perfectionnement en danse contemporaine à mis en place des stages et classes régulières donnés par des professeurs de Québec et d’ailleurs. Possibilité de prendre un seul bloc, ou plusieurs. Nous offrons également des stages avec des danseurs qui souhaitent parfaire leur enseignement.

POUR VOUS INSCRIRE À L’UN OU PLUSIEURS DE NOS STAGES, ÉCRIVEZ-NOUS AU : inscriptions@larteredanse.ca

Politique de remboursement de classe | Le saviez-vous ?

Les interprètes admissibles peuvent obtenir un soutien financier du Regroupement québécois de la danse s’ils sont admis au Programme de soutien à l’entraînement.

Anne Plamondon

27 novembre 2017

10h30 à 12h
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 12$ membres / 15$ non-membres

BIOGRAPHIE

ANNE PLAMONDON est chorégraphe et interprète. Elle a reçu sa formation à l’École Nationale de ballet du Canada et au Centre des Arts de Banff, puis elle a obtenu son diplôme à l’École Supérieure de ballet du Québec en 1994. Elle joint immédiatement les rangs des Grands Ballets Canadiens et interprète plusieurs œuvres du répertoire classique, dont celles de George Balanchine et Fernand Nault. L’année suivante elle quitte le Québec afin de poursuivre son parcours avec le Netherlands Dans Theater 2 en Hollande (1995 – 1998), puis, avec le Gulbenkian Ballet au Portugal (1998 – 2000). Pendant cette période, elle interprète les œuvres de plus de trente chorégraphes, incluant Jiri Kylian, Hans Van Manen, Johan Inger, Gideon Obarzanek, Angelin Preljocaj et Itzik Galili. Elle crée aussi les premiers rôles dans les œuvres de Rui Horta, Patrick Delcroix et Pieter de Ruiter — ainsi que dans le succès acclamé, Sad Case, chorégraphié par Paul Lightfoot et Sol Leon, chorégraphes résidents du Nederlands Dans Theater.

De retour à Montréal en 2000, Anne a travaillé avec plusieurs chorégraphes contemporains, dont Jean Grand-Maitre, Estelle Clareton et Hélène Blackburn. Elle a dansé dans la reconstruction du chef-d’œuvre Fifteen Heterosexuel Duets du chorégraphe James Kudelka, produit par Coleman Lemieux & Cie, et parait dans le livre Reconstructing Fifteen Heterosexual Duets du photographe Michael Slobodian.

Entre 2002 et 2016, avec le chorégraphe Victor Quijada, elle a contribué au développement du Groupe RUBBERBANDance en tant qu’interprète, puis, en tant que codirectrice artistique de 2006 à 2016. L’inventivité audacieuse du style chorégraphique de Quijada, combinant le Hip-Hop et le b-boying avec la fluidité et la précision du ballet classique et la sensibilité de la danse contemporaine a eu un impact fondamental sur le parcours d’Anne. Leur puissante affinité en tant que partenaires de danse a favorisé leur étroite collaboration et Anne est rapidement devenue la figure emblématique de la compagnie. Entre 2006 et 2012, Plamondon et Quijada ont été artistes en résidence à la 5e Salle de la Place des Arts, où ils ont créé le duo mémorable AV/INPUT/OUTPUT. Au sein de la compagnie, Anne a participé à la création de plus de dix œuvres pour la scène, ainsi que de trois courts métrages. Elle a été également profondément impliquée dans le développement de la Méthode RUBBERBAND qu’elle enseigne maintenant à travers le monde. En 2016, avide de poursuivre le développement de son langage artistique personnel, Anne Plamondon est devenue artiste associée.

Après plus de vingt ans de pratique en tant qu’interprète, elle a fait ses débuts à titre de chorégraphe en 2012, avec la création de son solo Les mêmes yeux que toi. Élaborée en collaboration avec la metteure en scène Marie Brassard, cette œuvre explore le thème de la maladie mentale. En mettant l’emphase sur les sujets qui résonnent profondément en elle, Anne Plamondon désire créer des œuvres qui laissent une impression marquante, tant par leur virtuosité que par leur authenticité sensible. Parallèlement à tout cela, depuis 2005, Anne a collaboré avec la chorégraphe de renom Crystal Pite et sa compagnie Kidd Pivot, en créant Lost Action, Fault, The You Show, et le duo A Picture of You Falling, qui s’est mérité un Olivier Award, en 2015. Elle continue d’interpréter ce duo sur la scène internationale. En 2015, elle a participé à la création chorégraphique et dansé dans le spectacle Tryptique de la compagnie Les 7 doigts de la main — une rencontre entre le cirque et la danse dans les œuvres de Marie Chouinard, Victor Quijada et Marcos Moreu. Puis, en 2016, elle a collaboré à la création du spectacle Corps Amour Anarchie de la compagnie PPSDanse, une soirée célébrant le poète français Léo Ferré.

Au cinéma, Anne Plamondon est en vedette dans le court métrage Small Explosions that are yours to keep, Secret Service, et le film Gravity of Center, dirigé par Victor Quijada et Thibaut Duverneix. En collaboration avec le réalisateur Micah Meisner, Anne a chorégraphié et interprété Red Shoes, gagnant d’un Golden Sheaf Award au Yorkton film Festival en 2010.

DESCRIPTION DE LA CLASSE

La Méthode RUBBERBAND :

La Méthode RUBBERBAND entraîne le danseur à l’aide d’exercices qui développent l’agilité et la précision, peu importe que vous soyez sur vos pieds, au sol ou la tête en bas.

La Méthode RUBBERBAND a pour principes de base la répartition du poids autour du centre de gravité, l’agilité en position inversée sur les mains, les coudes, les épaules, ainsi que l’emploi du corps comme instrument de découpage de l’espace.

La Méthode RUBBERBAND favorise les déplacements du corps en passant de la verticale à l’horizontale. Les participants sont initiés à un vocabulaire alliant témérité, audace et spontanéité avec le raffinement et la maturité chorégraphique du ballet et de la danse contemporaine, tout en portant une attention particulière à l’interprétation, à la prise de décisions et à l’utilisation des variations rythmiques.

Geneviève Martel (Contact impro)

 

Photo : Llamaryon

28 et 29 novembre 2017

10h à 12h
STUDIO C
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 12$ membres / 15$ non-membres

BIOGRAPHIE

Geneviève Martel gère les jams réguliers de danse Contact Improvisation à La Maison pour la danse à Québec. Avant, elle a habité et travaillé à Toronto pendant 20 ans, ainsi qu’à New York quelques années où elle a étudié, travaillé et collaboré avec des artistes renommés notamment Margie Gillis, Ohad Naharin et les compagnies Forsythe et Merce Cunningham. Ses créations et son travail d’interprète ont été présentés à New York sur plusieurs scènes et lors d’une résidence au Centre des Arts de Banff en Alberta. Elle enseigne depuis qu’elle a 15 ans, et plus récemment comme artiste invitée à l’Université de Toronto et à l’École de Danse de Québec. Geneviève danse le Contact Improvisation depuis plus de 10 ans.

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Le Contact Improvisation initiée par le danseur Steve Paxton en 1972, est une forme de danse contemporaine qui explore les lois physiques comme le momentum, l’échange de poids entre les corps et la gravité. Cette danse tire des éléments de la danse moderne, de la gymnastique et des arts martiaux.

En classe, des scénarios spécifiques seront proposés incluant : techniques de relâches, travail de sol, roulades, levées; et ce avec une emphase sur l’écoute et conscience physique en but d’approfondir vos danses et les rendre plus dynamiques.

SIA - Session d'impro de l'Artère

11 décembre 2017

18h à 20h30
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 5$

 

SIA: Session d’impro de l’Artère

Les artistes professionnels de toutes disciplines sont invités à venir dans cet atelier reprenant des concepts de base de la composition spontanée. À l’aide de simples exercices et des séances de pratiques de performances, nous pourrons aiguiser notre sens d’improvisateur. Comme dirait Ady: Our Our job is not to make art, our job is to create a space for art to happen in.

N’hésitez pas à apporter votre musique ou mieux encore, des musiciens!

Line Nault

 

 

 

13, 14, 15 décembre 2017

10h à 11h30
STUDIO D’ESSAI
Complexe Méduse (541 St-Vallier Est)

Tarif : 15$

** N.B. – Un nombre minimal de 6 participants

BIOGRAPHIE

Line pratique assidument la Gyrokinesis et la Gyrotonic depuis 2008, elle devient enseignante en 2010. Depuis sa formation, elle se spécialise avec différents niveaux et appareils reliés à ces deux approches, en plus de devenir une « pre-trainer » autorisée auprès de Dana Gingras et de la maison mère. Cela lui permet de donner des ateliers intensifs et d’enseigner la pré-formation pour de futurs enseignants.

Son expérience dans l’univers du corps en mouvement commence il y a plus de 30 ans, lorsqu’elle elle est engagée à l’âge de 15 ans dans une compagnie de danse contemporaine pour enfants. Là, elle reçoit un entrainement quotidien pendant 7 ans axé sur les approches somatiques du corps tel que : Bartenieff, Body Mind Centering, Contact Improvisation, Gymnastique Douce et plusieurs autres.

Line est diplômée au baccalauréat en danse à l’Université du Québec à Montréal, en plus d’y avoir complété un diplôme d’études supérieures en Éducation somatique. Elle est aussi praticienne en massothérapie depuis 1999. Dans ses jeunes années , elle a enseigné l’alignement corporel pour les arts martiaux. Elle donne aussi des ateliers d’éducation somatique et de création numérique (corps et technologie). Line Nault est active dans le milieu artistique comme interprète, chorégraphe et en présentant ses projets artistiques.

Sa démarche porte sur la manière de favoriser un élargissement de la créativité et de la connaissance de soi par les approches en éducation somatique, elle souhaite amener le pratiquant à faire des liens entre ce qui l’entoure et ce que son corps recèle comme champs de connaissance.

 

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Le Gyrokinesis est une méthode d’entraînement physique fondée par Juliu Horvath. Cette méthode vise à développer la souplesse, la tonicité et l’énergie vitale par un travail appliqué sur les articulations, les muscles et les fascias. La base du Gyrokinesis est une série de mouvements ondulatoires précis (cercle, spirale, courbe, arche) favorisant une harmonisation des différents systèmes du corps. Ces mouvements fluides et sans tension sont combinés à des schémas respiratoires permettant d’atteindre une efficacité bio-mécanique et énergétique remarquables.

La classe qui sera donnée du 13 au 15 décembre s’intitule: Lotus Blossum 

David Rancourt

15 au 19 janvier 2018

10h à 12h
Studio C – Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 7$ pour les membres du RQD

BIOGRAPHIE

Artiste en danse arrivé à Montréal en 1999, David s’est principalement illustré comme interprète depuis la fin des ses études à LADMMI (Les ateliers de danse moderne de Montréal) en 2003. Son travail auprès des chorégraphes Marie Chouinard, José Navas, Chanti Wadge, Annie Gagnon, Edgar Zendejas, Sylvain Émard, Alan Lake et Paula de Vasconcelos, entres autres, l’amène à expérimenter un large éventail de visions de l’art et du mouvement en plus de lui permettre de danser sur des scènes tant locales, nationales qu’internationales.

Il développe sa propre démarche chorégraphique qui l’ouvre à de nouvelles collaborations; notamment avec Clara Furey (the sorrowful sons), Pierre-Paul Savoie (Danse Lhasa Danse, Les Chaises et Corps Amour Anarchie, Léo Ferré), Audrée Juteau (Proposition Duo) et Mandala Sitù (Bijoux et Quartex).

Comme enseignant, il partage ses connaissances et ses inspirations autant en technique, en art de création et d’interprétation et en travail d’énergie dans différentes institutions tel que le regroupement québécois de la danse, l’Artère à Québec, l’école de danse contemporaine de Montréal et l’école supérieure de ballet du Québec.

Passionné des arts du mouvement et du souffle, il pratique le Continuum Movement avec Linda Rabin et le Qi Gong auprès de Marie-Claude Rodrigue depuis une dizaine d’années. Il fait également partie de l’équipe d’enseignants de l’école Fragments Libres.
À titre d’œil extérieur et de conseiller artistique, mentionnons sa collaboration avec Edgar Zendejas chez Ezdanza en plus de travailler ponctuellement avec d’autres créateurs de sa génération.

Engagé envers sa communauté dès son arrivé dans la métropole, David est membre du Regroupement québécois de la danse (RQD) depuis l’an 2000.

 

DESCRIPTION DE LA CLASSE

La classe proposée sera un hybride de technique de danse et de technique de corps (de mise en mouvement). Nous utiliserons des principes et une qualité de présence inspirée du Qi Gong (travail d’énergie). Nous travaillerons à partir de formes tirées du vocabulaire classique, moderne et contemporain, pourvu d’une certaine simplicité, dans le but de trouver aisance, agilité et intégrité dans nos mouvements.

En début de classe, nous prendrons le temps d’entrer en contact avec notre respiration et notre poids. Lentement mais sûrement, le corps sera appelé à se déployer dans l’espace à travers différents exercices, enchaînements et structures improvisées. L’emphase de l’enseignement est mise sur trouver une/sa liberté tout en rencontrant la forme (la demande externe). Alternant entre des segments de cours tout en subtilité et d’autres plus dynamique, la classe essaie d’éveiller votre corps autant physiquement que créativement.

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Les activités de formation continue sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.

Omri Drumlevich (Gaga)

22 au 26 janvier 2018

11h à 12h15
Studio C – Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

** Une classe GAGA People (ouverte à tous!) sera offerte le mercredi 24 janvier, 18h à 19h, au coût de 15$ et sera suivi d’une discussion/performance de l’artiste de 19h30 à 21h. **

 

Tarif : 12$ membres / 15$ non-membres

BIOGRAPHIE

U.S Based choreographer, writer, director and dancer Omri Drumlevich was born and raised in a kibbutz near Jerusalem, Israel in 1992. He graduated from the Jerusalem Academy of Music and Dance High School, Joined Ensemble Bat-Sheva at 2010 and The Bat-Sheva Dance Company at 2012. Omri is Teaching Gaga and Ohad Naharin’s repertoire since 2012. Since leaving Bat-Sheva Dance company in 2017, Omri is Traveling, teaching, creating independent work in Dance, Physical theater, Film and performance and Giving workshops of his own research. 

 

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Gaga is a movement language developed by Ohad Naharin. In a Gaga class we explore different elements of conscious and un-conscious movement, to awaken numb areas and gaining more flexibility, strength, stamina and agility. The class is composed by ongoing instinctive movement and is fully instructed as a series of multi layered tasks exploring groove, delicacy, texture, explosive power, speed, effort, pleasure, elasticity and availability. Gaga is both a meaningful and enjoyable workout and a way to improve physical and expressional abilities for both dancers and non dancers of all levels. 

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Ce stage est possible grâce à la collaboration de Circuit-Est, centre chorégraphique et l’École de danse de Québec

Sarah Bild

29 janvier au 02 février 2018

9h30 à 12h15
Studio C – Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 7$ pour les membres du RQD

BIOGRAPHIE

Chorégraphe, improvisatrice et enseignante, Sarah Bild poursuit sa carrière artistique à Montréal depuis plus de 25 ans. Ses solos et pièces de groupes sont présentés à travers le Canada. Minimalisme, gestuelle éclatée, abstraction, extrême lenteur, tous se côtoient pour créer des mondes riches d’images psychologiques, oniriques soulevant toujours un questionnement sur notre existence et la précarité de la présence humaine sur cette planète. En 2008, Sarah Bild devient la première improvisatrice certifiée pour l’enseignement de la technique Action Theater au Québec. Elle enseigne régulièrement à l’École de danse contemporaine de Montréal et est chorégraphe et professeur invitée dans plusieurs écoles de formation en danse à travers le Canada.

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Action Theater™ est une forme unique d’expression d’improvisation théâtrale. Ce stage offrira les principes de base de la pratique. Au moyen d’exercices aussi rigoureux que ludiques qui isolent et puis recombinent le mouvement, le son et le langage, nous agrandissons notre gamme d’outils d’improvisation pour devenir plus ouvert au moment présent. En travaillant toujours à partir d’un état totalement impliqué, nous développerons l’acuité spatiale et l’accès à notre imagination pour transformer nos impulsions créatives en images et histoires claires. Cette technique nous confronte à nos habitudes et nous ouvre de nouvelles possibilités. Nous porterons notre attention sur les détails de nos choix physiques ainsi qu’à la qualité et la gamme de nos vocalisations. En percevant les paroles et les mots comme des actions physiques nous construirons des monologues ou des trames narratives. Travaillant en solo, duos, trios ou tous ensemble, la classe débutera par des réchauffements vocaux et physiques et poursuivra avec des exercices pour finir avec des présentations informelles.

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Les activités de formation continue sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.

Keith Hennessy

5 au 9 février 2018

9h à 12h
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 20$ membres / 25$ non-membres

BIOGRAPHIE

Keith Hennessy was born in a mining town in Northern Ontario, Canada, lives in San Francisco, and tours internationally. He is an award-winning performer, choreographer, teacher and organizer. Hennessy directs Circo Zero, a laboratory for live performance that plays with genre and expectation. Rooted in dance, Hennessy’s work embodies a unique hybrid of performance art, music, visual and conceptual art, circus, and ritual.

Hennessy was a member of Sara Shelton Mann’s legendary Contraband (85-94), as well as the collaborative performance companies CORE (95-98) and the France-based Cahin-caha, cirque bâtard (98-02). His work is featured in several books and documentaries, including Composing While Dancing (Melinda Buckwalter, U of Wisconsin: 2010), How To Make Dances in an Epidemic (David Gere, Univ of Wisconsin: 2004), Gay Ideas (Richard Mohr, Beacon: 1992), and Dancers in Exile (RAPT Productions, 2000). Hennessy is a co-founder of 848 Community Space/CounterPULSE a thriving performance and culture space in San Francisco. He earned an MFA (Choreography) and PhD (Performance Studies) from UC Davis.

Hennessy’s awards include the Sui Generis Award (2017), Guggenheim Fellowship (2017), United States Artist Kjenner Fellowship (2012), a Bilinski Fellowship (2011), a NY Bessie (2009) for Crotch, Isadora Duncan Dance Awards (1998, 2000, 2009) for performance, dance activism, and visual design, a Goldie (2007) and the Alpert/MacDowell Fellowship in Dance (2005). Keith has enjoyed residencies at The MacDowell Colony, Yaddo, MANCC, and Djerassi. Keith’s 2016-17 collaborators include Peaches, Meg Stuart, Scott Wells, Jassem Hindi, J Jha, Annie Danger, Gerald Cassel, and the collaboratives Blank Map and Turbulence. Keith’s recent teaching in universities, independent studios, and festivals includes VAC Foundation (Moscow), Ponderosa (Germany), FRESH (SF), HZT (Berlin), Movement Research (NYC), Impulstanz (Vienna), Portland State University, Sandberg Institute (Amsterdam), St. Mary’s, and Warsaw Flow International CI Festival. Keith’s writings have been published in Contact Quarterly, Movement Research Journal, Performance Research (UK), Society of Dance History Scholars Journal, Dance Theatre Journal (UK), Itch, Front, and In Dance.

 

DESCRIPTION DE LA CLASSE

*À VENIR*

Discussions avec Paul-André Fortier

13 février
20 février

17h30
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

GRATUIT et OUVERT À TOUS!

Une collaboration avec La Rotonde

BIOGRAPHIE

Paul-André Fortier apporte depuis plus de 40 ans sa contribution à la danse contemporaine québécoise, en tant que créateur, interprète et pédagogue. Il a signé une cinquantaine de chorégraphies, solos, pièces de groupe, propositions in situ. Interprète à la forte présence, cet « homme qui danse » s’impose des contraintes d’espace, de temps et de technique, afin d’explorer ses propres limites et celles de son art. Inspiré par le croisement des disciplines artistiques, il a collaboré avec d’autres créateurs, notamment Françoise Sullivan, Betty Goodwin, Rober Racine, Alain Thibault, Robert Morin ou encore Malcolm Goldstein. Paul-André Fortier a débuté sa carrière comme interprète dans les années 1970, au sein du Groupe Nouvelle Aire, où il a participé aux premières œuvres de ses pairs (Édouard Lock, Daniel Léveillé). En 2010, il est nommé Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres par la France. En 2012, il reçoit le Prix du gouverneur général pour les arts du spectacle et une nomination au sein de l’ordre du Canada en tant qu’Officier. En 2013, il se voit accorder une bourse de carrière du Conseil des Arts et des Lettres du Québec et le titre d’Ambassadeur de la Faculté des lettres et sciences humaines de l’Université de Sherbrooke l’année suivante. À 69 ans, Paul-André Fortier continue de monter sur scène pour offrir au public une danse empreinte de maturité.

 

DESCRIPTION DE LA DISCUSSION

Pendant la résidence que je ferai à Québec pour travailler sur une nouvelle œuvre solo et enseigner à l’École de danse, je veux proposer aux artistes de diverses disciplines des rencontres portant sur divers aspects du métier de créateur. Je danse, je dirige une compagnie, j’enseigne et je fais de la chorégraphie depuis plus de quarante ans. J’ai collaboré avec de nombreux artistes visuels dont Betty Goodwin, Rober Racine, Pierre Bruneau… J’ai travaillé de concert avec des compositeurs, des vidéastes, des cinéastes…  C’est cette expérience que je souhaite partager avec tous ceux et celles qui se posent des questions sur divers aspects de nos fabuleux métiers d’inventeurs, de créateurs, de messagers.

Paul-André vous invite à écouter cette vidéo en guise de préparation pour la discussion : https://vimeo.com/171134476

 

Laura Toma (Gaga)

19 au 23 février 2018

10h à 11h15
Studio C – Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 7$ pour les membres du RQD

** Une classe GAGA/People (ouverte à tous!) sera offerte le mercredi 21 février, 18h à 19h, au coût de 15$**

 

BIOGRAPHIE

Laura Toma est la première enseignante de Gaga certifiée au Canada et elle a enseigné, entre autres, pour la Compagnie Marie Chouinard, le RQD, l’EDCML, et l’École Supérieure de Ballet du Québec. En 2012, elle a gradué du premier programme d’entraînement pour professeurs de Gaga à Tel Aviv sous la supervision d’Ohad Naharin. Elle est co-fondatrice du collectif LA TRESSE et travaille régulièrement avec la chorégraphe Andrea Peña. En juin de 2016, Laura a participé à la Biennale de Danse de Venise pour le chorégraphe israélien / français Emanuel Gat.

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Le Gaga est un langage du mouvement développé par Ohad Naharin à travers les années et qui est mis en pratique et en exercice quotidiennement par les membres de la Batsheva Dance Company. Le langage Gaga vient de la croyance en ce que le mouvement est curatif, dynamique et en constante évolution et continue à évoluer aujourd’hui
Gaga/dancers :

Les cours de Gaga/dancers sont ouverts au professionnels et aux étudiants en danse âgés d’au minimum 16 ans. Ces cours durent une heure et quart et sont construits sur le même principe que pour les cours Gaga/people mais ils exploitent d’avantage le bagage de connaissances qu’ont les danseurs, à savoir un vocabulaire spécifique et des aptitudes corporelles. Les tâches à accomplir dans le Gaga, qui forment des strates de mouvements familiers, permettent aux danseurs de se confronter à des défis nouveaux durant tout le cours. Les professeurs poussent les danseurs à explorer des endroits moins connus et d’autres façons de se mouvoir. Les cours Gaga/dancers approfondissent la conscience des sensations physiques des danseurs, élargissent leur palette des mouvements disponibles dans l’instant, augmentent leur capacité à moduler leur taux d’énergie et engagent leur puissance explosive et enrichissent la qualité de mouvement par une gamme variée de textures.

« Nous devenons plus conscients de notre mouvement. Nous nous connectons au sens des possibilités infinies. Nous explorons le mouvement multidimensionnel; nous prenons plaisir à la sensation de brûlure dans nos muscles, nous sommes prêts à changer en un clin d’oeil, nous sommes conscients de notre puissance explosive et parfois nous l’utilisons. Nous changeons nos habitudes de mouvements en en trouvant de nouveaux. Nous allons au-delà de nos limites familières. Nous pouvons être calme et alerte à la fois. » Ohad Naharin.

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Les activités de formation continue sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.

David Rancourt

26 février au 2 mars 2018

10h à 12h
Studio C – Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 7$ pour les membres du RQD

BIOGRAPHIE

Artiste en danse arrivé à Montréal en 1999, David s’est principalement illustré comme interprète depuis la fin des ses études à LADMMI (Les ateliers de danse moderne de Montréal) en 2003. Son travail auprès des chorégraphes Marie Chouinard, José Navas, Chanti Wadge, Annie Gagnon, Edgar Zendejas, Sylvain Émard, Alan Lake et Paula de Vasconcelos, entres autres, l’amène à expérimenter un large éventail de visions de l’art et du mouvement en plus de lui permettre de danser sur des scènes tant locales, nationales qu’internationales.

Il développe sa propre démarche chorégraphique qui l’ouvre à de nouvelles collaborations; notamment avec Clara Furey (the sorrowful sons), Pierre-Paul Savoie (Danse Lhasa Danse, Les Chaises et Corps Amour Anarchie, Léo Ferré), Audrée Juteau (Proposition Duo) et Mandala Sitù (Bijoux et Quartex).

Comme enseignant, il partage ses connaissances et ses inspirations autant en technique, en art de création et d’interprétation et en travail d’énergie dans différentes institutions tel que le regroupement québécois de la danse, l’Artère à Québec, l’école de danse contemporaine de Montréal et l’école supérieure de ballet du Québec.

Passionné des arts du mouvement et du souffle, il pratique le Continuum Movement avec Linda Rabin et le Qi Gong auprès de Marie-Claude Rodrigue depuis une dizaine d’années. Il fait également partie de l’équipe d’enseignants de l’école Fragments Libres.
À titre d’œil extérieur et de conseiller artistique, mentionnons sa collaboration avec Edgar Zendejas chez Ezdanza en plus de travailler ponctuellement avec d’autres créateurs de sa génération.

Engagé envers sa communauté dès son arrivé dans la métropole, David est membre du Regroupement québécois de la danse (RQD) depuis l’an 2000.

 

DESCRIPTION DE LA CLASSE

La classe proposée sera un hybride de technique de danse et de technique de corps (de mise en mouvement). Nous utiliserons des principes et une qualité de présence inspirée du Qi Gong (travail d’énergie). Nous travaillerons à partir de formes tirées du vocabulaire classique, moderne et contemporain, pourvu d’une certaine simplicité, dans le but de trouver aisance, agilité et intégrité dans nos mouvements.

En début de classe, nous prendrons le temps d’entrer en contact avec notre respiration et notre poids. Lentement mais sûrement, le corps sera appelé à se déployer dans l’espace à travers différents exercices, enchaînements et structures improvisées. L’emphase de l’enseignement est mise sur trouver une/sa liberté tout en rencontrant la forme (la demande externe). Alternant entre des segments de cours tout en subtilité et d’autres plus dynamique, la classe essaie d’éveiller votre corps autant physiquement que créativement.

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Les activités de formation continue sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.

Mikaël Xystra Montminy

Mikael Xystra Montminy_photo Pascal Huot

6 et 7 mars 2018

10h à 12h
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 12$ membres / 15$ non-membres

BIOGRAPHIE

 

Mikaël Xystra Montminy étudie au secteur professionnel de l’École de danse de Québec, à School of Alberta Ballet, puis Ballet Kelowna l’embauche. S’ajoutent à sa formation plusieurs stages intensifs (Los Angeles, New-York), un mentorat avec Victor Quijada, un entraînement de dix semaines en arts martiaux à WPD China Academy, Hainan Island et une forte base en parcours de rue avec le Collectif Crue. Chorégraphe, enseignant d’ateliers chorégraphiques, notamment, et interprète professionnel, ses principales techniques relèvent du ballet classique, du contemporain, des principes et mouvements des arts martiaux du Wudang. En 2014, il crée la compagnie de danse professionnelle Wu Xing Wu Shi, fusionnant diverses formes de danse et arts martiaux dans un style distinctif : le break-ballet WXWS.

 

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Qigong des 5 animaux pour les les bougeurs (danseurs).

Les mouvements avec la liaison du corps et de l’énergie, l’ouverture de la structure physique, le relâchement actif, la respiration, la visualisation, différentes sensations et techniques, dépendamment des animaux travaillés, seront ressenties. De plus,  le travail sera orienté pour accentuer les bénéfices pour les bougeurs confondus.

 

Ce qui se retrouvera dans le cours (pas nécessairement dans cette ordre) :

Technique d’étirement et d’échauffement du Qi Gong en préparation à l’activité physique;

Méthode de base du renforcement et guérison des tendons (Yi Jin Jing) et courte visite sur le renforcement des muscles et des os;

Technique d’utilisation de la puissance dans le relâchement et de l’utilisation des sons (Fali, FaJin);

Travail des 5 animaux (Wu Xing Qi Gong) du Qi Gong de Wudang, du Xuan Wu linéage ;

Méditation debout en mouvement et statique, entre autres, les bases de (Hui Chun Qi Gong, le Qi Gong du retour au printemps, et une meditation du soleil et de la lune);

Virginie Brunelle

16 mars 2018

10h30 à 12h
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 12$ membres / 15$ non-membres

BIOGRAPHIE

Virginie Brunelle s’est rapidement démarquer dans le milieu de la danse. D’abord, elle crée Les cuisses à l’écart du cœur, récipiendaire de plusieurs prix et mentions. Ensuite, Foutrement, initiée à Tangente, puis coproduite avec le théâtre La Chapelle. Suite à ce franc succès, elle ouvre la saison d’automne de ce dernier avec sa 3e oeuvre Complexe des genres (2e prix du concours Danois AICC 2010, spectacle officiel d’ouverture CINARS 2012). À l’automne 2013, elle crée PLOMB, coproduit avec L’Agora de la danse. Puis, en novembre 2016 elle présente À la douleur que j’ai à l’Usine C en codiffusion avec l’agora de la danse. Finalement elle revisite PLOMB en 2017 et recrée la pièce pour le Festival Operaestate Veneto en Italie. En seulement quelques années d’existence, la compagnie a présenté son travail d’en plus d’une douzaine de villes Europe, au Liban, au Mexique, en Corée du Sud et au Canada. Par l’intermédiaire de la danse, Virginie a collaborer avec d’autres artistes du cinéma, notamment Anne Émond – Nuit #1, Myriam Magassouba – Là où je suis (gagnant d’un Jutra), Isabelle Hayeur – Une courte histoire de la folie.

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Comme directrice artistique, je m’intéresse à l’instinct, à l’énergie brute, au rythme et à l’essence du geste, en d’autres mots le chemin et l’énergie dont le corps à besoin pour effectuer certains mouvements. Dans cette classe, à travers des exercices d’échauffement et des enchainements spécifiques à ma gestuelle, nous évoluerons vers l’apprentissage d’un extrait de la pièce  À la douleur que j’ai. Au delà de l’exécution, ce qui m’intéresse, c’est l’accessibilité à l’humain; l’interprète ne joue pas de rôle, il est lui, ici et maintenant, parfois vulnérable, parfois fort, mais toujours vrai. 

Katie Ward

12 avril 2018

13h à 15h
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 12$ membres / 15$ non-membres

BIOGRAPHIE

Le travail de Katie utilise des systèmes de navigation imaginatifs, c’est une investigation des perceptions autour de ce qui est. Récemment, Katie a présenté plusieurs nouvelles œuvres, notamment: Infinity Doughnut un travail d’ensemble qui traite de l’interconnexion; Matière Grise, une pièce solo relationnelle créée en collaboration et interprétée par Peter James; et Human Synthesizer – une performance avec le compositeur Michael Feuerstack et le concepteur lumière Paul Chambers. Les œuvres relient les choses qui sont dans l’espace de performance comme un moyen d’examiner et de développer le réalisme dans la performance. Ses créations, Infinity Doughnut (2014) et Rock Steady (2012), ont été créées et interprétées à Montréal, en France et au Royaume-Uni. Matière Grise a été présenté à Monteal lors du FTA 2016. Katie poursuit actuellement une maîtrise en pratiques théâtrales à l’Université Artez, à Arnhem aux Pays-Bas.

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Durant la période de recherche et creation de Infinity Doughnut nous avons eu comme point de depart le fait que nous ne comprenons rien à propos de la vrai nature de la matière qui nous entoure. Nous avons basé nos explorations sur des façons de sonder et de mieux connaitre notre environment. Pour faire ceci – nous avons crée ce que nous appelions des techniques navigationels qui sont des methodes pour s’accorder énergetiquement avec nos alentours (la salle et les spectateurs) et des techniques pour remplir la salle et les spectateurs avec une surcharge d’énergie.

 

La pièce est partie de la plus petite impulsion et nous la ré-utilisons pour  l’élargir et pour exploser le potentiel de mouvemment.

 

Durant l’atelier nous allons traité le processus d’accordement des interprètes avec leurs environment, nous allons développé notre propre language comportant :

* Navigations d’accord avec le lieu

* Navigations vibrationelles

* Navigations du mouvement de la pensé

* Navigations empathiques envers la matière – Nous explorerons une forme que j’apelle

 

Le Nouveau Mime que nous utiliserons pour spéculer et imaginer les caractéristiques actuelles de la matière.

Esther Gaudette

20 avril 2018

10h à 11h30
STUDIO C
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 12$ membres / 15$ non-membres

BIOGRAPHIE

Esther Gaudette est une danseuse accomplie. Elle débute sa carrière à l’âge de 16 ans avec la compagnie de danse Sursaut. Diplômée de l’école de Danse de Québec  en 2000, elle continue d’œuvrer dans ce domaine comme danseuse, chorégraphe, répétitrice ou professeure. Elle a dansé plusieurs productions d’Isabelle Van Grimde et Francine Châteauvert. Elle participe aussi au spectacle 5 HEURES DU MATIN de Pigeons International, au spectacle CORPS NOIR de Stephan GLADYSZEWSKI, et de  FIFTEEN HETEROSEXUEL DUETS de la cie Coleman, Lemieux.

 

Depuis plusieurs années, elle danse pour Daniel Léveillé Danse et interprète tous les rôles féminins de ses productions.

 

Comme comédienne, elle apparaît au grand écran dans quelques longs métrages dont, L’ESPÉRENCE de Stefan Pleszczynski, SOUPIR D’ÂME de Helen Doyle et participe au long métrage de Jean Leloup, KARAOKE DREAM. Au théâtre, comme danseuse, elle a été de la distribution de PARADIS PERDU, une mise en scène de Dominic Champagne en 2010 ainsi que POÉSIE SANDWICHS ET AUTRES SOIRS QUI PENCHENT, version 2016, dirigé par Loui Mauffette.

 

En septembre 2015, elle débute sa collaboration avec la chorégraphe Daina Ashbee.

 

Sarah Bild

9 au 13 avril 2018

10h à 12h
Studio C – Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 7$ pour les membres du RQD

BIOGRAPHIE

Chorégraphe, improvisatrice et enseignante, Sarah Bild poursuit sa carrière artistique à Montréal depuis plus de 25 ans. Ses solos et pièces de groupes sont présentés à travers le Canada. Minimalisme, gestuelle éclatée, abstraction, extrême lenteur, tous se côtoient pour créer des mondes riches d’images psychologiques, oniriques soulevant toujours un questionnement sur notre existence et la précarité de la présence humaine sur cette planète. En 2008, Sarah Bild devient la première improvisatrice certifiée pour l’enseignement de la technique Action Theater au Québec. Elle enseigne régulièrement à l’École de danse contemporaine de Montréal et est chorégraphe et professeur invitée dans plusieurs écoles de formation en danse à travers le Canada.

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Working state (Travail d’état): une exploration du temps dans la composition.
Comment concevoir un présent éternel, un état constant, comme une opposition au mouvement qui passe au travers du temps, au mouvement avant qu’il n’apparaisse ? Grâce à des explorations et improvisations individuelles nous explorerons diverses qualités de présence ainsi que notre propre relation au temps: comment nous le ressentons de l’intérieur et comment il est lu de l’extérieur. Nous travaillerons sur de courtes propositions afin de les partager avec le groupe et développer un discours sur ce que nous observons. Utilisant les méthodes d’improvisation du Action Theater™, Sarah Bild guidera les participants à travers de riches explorations qui éveilleront leurs impulsions créatives et leur permettront d’aiguiser leur intuition artistique.

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Les activités de formation continue sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.

Antoine Turmine (Gigue contemporaine)

 ** OUVERT À TOUS **

14 mai 2018

10h à 12h
STUDIO C
Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 12$ membres / 15$ non-membres

BIOGRAPHIE

Issu et toujours investi dans le milieu de la danse et de la Gigue traditionnelle québécoise, Antoine Turmine porte également les habits du danseur contemporain. Diplômé en danse (BACC) à l’UQAM depuis 2014, il est désormais investi dans une maîtrise en danse afin de mieux situer et (re)questionner sa lecture du son et du corps. Antoine est actuellement visible et impliqué dans le travail de plusieurs compagnies : Zogma, BIGICO et Quantum Collective, en plus de participer à plusieurs créations indépendantes. Et de développer un parcours chorégraphique au sein du mouvement de la gigue contemporaine.  

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Rythme et perception 

Cet atelier met en jeu différentes modalités perceptives pour un même rapport au rythme dans le but d’étendre ses frontières. À partir d’un travail en danse percussive et plus particulièrement sur la gigue québécoise, les participants sont ainsi invités à composer avec des imaginaires et des consignes physiques qui ont pour but de perturber leur appréhension du rythme, de la sensation et du mouvement. L’approche se base sur l’intersensorialité comme stratégie pour revisiter le rythme et y maintenir une attitude exploratoire dans sa prise d’informations sensibles en plus de dégager de nouvelles manières de faire en général.

 

Guy Cools

21 au 25 mai 2018

9h à 12h
Studio C – Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 20$ membres / 25$ non-membres

BIOGRAPHIE

GUY COOLS

Guy Cools est un dramaturge de la danse.
Ces postes récentes incluent un professorat associé à l’institut de recherches ‘Arts dans la Société’ à l’École des Arts Fontys à Tilburg, et chercheur post-doctorale à l’Université de Gand, où il a fini un doctorat sur la relation entre la danse et l’écriture. Il a travaillé comme critique de danse et programmeur artistique pour la danse en Flandre. Il se consacre maintenant à la dramaturgie de production, travaillant pour des chorégraphes partout en Europe et au Canada comme : Koen Augustijnen (B), Sidi Larbi Cherkaoui (B), Danièle Desnoyers (CA), Lia Haraki (CY), Christopher House (CA), Akram Khan (le Royaume-Uni), Arno Schuitemaker (NL) et Stephanie Thiersch (DE). Il fait régulièrement des lectures et des publications et il a développé une série d’ateliers qui ont pour but de soutenir des artistes et des chorégraphes dans leur processus créatif.
Ses publications les plus récentes incluent The Ethics of Art: ecological turns in the performing arts (Valiz, 2014) (Tournants écologiques dans l’art du spectacle), co-edité with Pascal Gielen ; In-between Dance Cultures: on the migratory artistic identity of Sidi Larbi Cherkaoui and Akram Khan (Valiz, 2015) (Cultures de Danse métissées: sur l’identité artistique migratrice de Sidi Larbi Cherkaoui et Akram Khan) et Imaginative Bodies, dialogues in performance practices (Valiz, 2016) (Corps Imaginatifs, dialogues sur des pratiques de performance), une série d’ entretiens avec des artistes contemporains majeurs que Cools a réalisé de 2008 jusqu’à 2013 pour Sadler’s Wells à Londres. Avec la chorégraphe canadienne, Lin Snelling, il a développé une pratique de performance improvisée intitulée ‘Rewriting Distance’ (‘Récrire l’écart’) (voir aussi : www.rewritingdistance.com) qui se concentre sur l’intégration de mouvement, la voix et l’écriture.

DESCRIPTION DE LA CLASSE

L’atelier explorera la notion que la dramaturgie est un accompagnement du processus créative de l’artiste/chorégraphe et que c’est accompagnement commence avec la recherche et l’étude des sources d’inspirations: sa propre identité, les espaces concrètes dans lesquelles on travaille et on habite; d’autres d’œuvres d’arts dans différents disciplines, des évènements dans la réalité. On explore le travail du dramaturge comme témoin, comme interlocuteur et comme éditeur. On le fera par des exercices concrets et pratiques et en discutant mon travail avec entre autre Koen Augustijnen, Sidi Larbi Cherkaoui et Akram Khan.

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Ce stage est possible grâce à la collaboration du Conseil de la Culture des régions de Québec et Chaudières-Appalaches.

Isabelle Poirier

4 au 8 juin 2018

10h à 12h
Studio C – Maison pour la danse de Québec (336 rue du Roi)

Tarif : 7$ pour les membres du RQD

BIOGRAPHIE

Après avoir obtenue son diplôme de LADMMI et  une majeure en histoire de l’art à l’Université de Montréal, Isabelle a dansé pour plusieurs chorégraphes indépendants et compagnies dont celle de Marie Chouinard avec laquelle elle a dansé pendant huit ans, avant d’y devenir répétitrice et adjointe à la direction artistique. Elle enseigne la danse à l’Université Concordia, au RQD et à l’EDCM et interprète pour l’année 2016-2017 la reprise du solo de Louise Bédard« Cartes postales de Chimère » et la reprise du solo «  les choses dernières » de Lucie Grégoire. Deux œuvres qui furent créées il y a plus de 20 ans et qui lui sont retransmises. Elle participe d’ailleurs à l’écriture des boites chorégraphiques de ses mêmes œuvres pour la Fondation Jean-Pierre Perreault.

 

DESCRIPTION DE LA CLASSE

Un cours en continuité et sans sous-groupe, qui met l’emphase sur la mobilité, le support des articulations et de la colonne vertébrale. Les séquences de mouvements visent à éveiller la connexion avec le sol et à bouger par le centre et non par les extrémités. Tout au long de la classe, de courts exercices viennent ponctuer ou accompagner la séquence physique pour activer les qualités de mouvement du danseur. Un cours avec deux grandes lignes directrices: dynamiser le corps et éveiller notre présence dans chaque mouvement.

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Les activités de formation continue sont réalisées grâce au soutien financier d’Emploi Québec et de Compétence Culture, comité sectoriel de main-d’œuvre en culture.